Rebus diffusi e trappole fantasma, le nuove serie di opere dell’artista francese Camille Blatrix (1984, Parigi) sono state pubblicamente allestite ed esposte in Svizzera. Il titolo della sua prima mostra monografica istituzionale presso la Kunsthalle Basel è Standby Mice Station, a cura di Elena Filipovic. Al primo piano, nuovi interventi scultorei e intarsi, ispirati agli oggetti prodotti in serie che ci circondano quotidianamente, o alle serie TV e che sono realizzati con tecniche tradizionali e una forma di manifattura artigianale raffinatissima.

I lavori in mostra sembrano essere talmente, esattamente precisi da anticipare, senza sosta, l’oggettivazione del linguaggio in cui la nozione di personalità come quella di assemblaggio di immagini prefabbricate diventa predefinita. La combinazione di elementi, la loro rarefazione nello spazio e la tensione innescata tra di loro, tenta di trasmettere la tragica carica emotiva di un mondo in cui poter sperimentare una nuova visione su un futuro lontano.

Sebbene il suo lavoro sia pieno di interferenze e svolte nascoste, immaginarie, il suo particolare marchio manifatturiero basato sugli oggetti è stato spesso considerato concettualmente sottile ed esteticamente enigmatico. Vale a dire che ci sono ragioni per cui oggi il lavoro di Blatrix debba essere maggiormente conosciuto. Per Standby Mice Station, con tutta la forza allitterante del suo titolo, deliberatamente privo di senso, l’artista ha immaginato di riunire un insieme di nuove sculture e immagini, un gruppo modellato con la tecnica anacronistica del legno intarsiato (per lo più passato nell’arte, ora più applicato nel mondo del mobile).

Queste immagini fiancheggiano le pareti attorno all’oggetto ready-made che ha ispirato il laboratorio miniaturizzato dell’artista, dal titolo Weather Stork Point. Un gadget tecnologico sovradimensionato, che evoca un bizzarro previsore climatico incontra il gioco da tavolo e l’aspirapolvere robot. Parzialmente coperto di piume, con le sfere che emergono come a misurare, in qualche modo, i cambiamenti atmosferici, sfere recanti pittogrammi di sole e luna, stelle e neve, ma che in realtà non registra alcun fenomeno.

Quando hai visto per la prima volta il lavoro di Camille Blatrix, quale aspetto dei suoi oggetti accuratamente realizzati a mano, che sembrano quasi prodotti in serie, hai ammirato di più?
Elena Filipovic: Quando ho visto per la prima volta le opere di Camille, è stata la loro stranezza assoluta a incuriosirmi. E il fatto che siano così strani senza essere affatto estranei, se così è possibile esprimere quel che intendo. Pensa a come appare un UFO, ci influenza, ci convince che è un UFO, proprio perché c’è qualcosa che è familiare ma insostituibile, così tanto come una macchina o un veicolo che conosciamo, ma uno sempre così leggermente ambientato nel futuro o con pulsanti o superfici o dispositivi che servono a scopi non conoscibili. Ecco com’è essere di fronte a una delle sculture di Camille.

La personale di Camille Blatrix potrebbe rappresentare una dichiarazione poetica del 2020? In caso affermativo, che tipo di nuovo cursus inaugura alla Kunsthalle Basel?
EF : È interessante che tu chieda della poesia! Spesso nelle sue conversazioni sulla mostra, Camille si riferiva ad ogni singolo lavoro come ad una poesia piuttosto che ad una storia. La condensazione del linguaggio funziona non per formulare un “qualcosa” o per ottenere una narrazione chiara con una trama e una conclusione ordinata, ma piuttosto come una poesia che unisce elementi non collegabili: in qualche modo essa trae senso da loro, e nel processo porta avanti un ​​linguaggio che tocca il suo lettore.

In che modo questa mostra rappresenta anche un legame con il passato, collegando mostre personali che esaltano figure singole come Wong Ping, Geumhyumg Jeong, Dora Budor, Kari Upson, Alex Baczynski-Jenkins e Joanna Piotrowska?
EF : Sì, e no. Naturalmente, ogni spettacolo è in qualche modo indipendente e composto singolarmente, ma non posso fare a meno di pensare anche alle mostre raggruppate a livello di programmazione, come ad un'affermazione articolata su ogni singola individualità. Quest'anno c’era una sorta di filo che collegava molte delle mostre incentrate su tecnologie e corpi di lavori. Questo discorso è stato portato a termine in modo differente in ciascuno delle esposizioni che hai menzionato, compresi i dispositivi “machinic” accuratamente realizzati e meticolosamente fatti a mano da Camille, sempre per uno scopo sconosciuto.

Riconosci una nuova serie o un approccio artistico nelle opere che presenta per lo spettacolo alla Kunsthalle Basel? Che tipo di nuove pratiche ha avuto la possibilità di sviluppare per Kunsthalle Basel? Camille Blatrix sta definendo un nuovo tipo di oggettivazione?
EF : Direi che nella sua insistenza sull’affetto delle cose (che lui chiama, letteralmente, “oggetti emotivi”) Camille ci sta facendo porre attenzione ai modi in cui quel che è inanimato può parlare, trasmettere sentimento, trasferire sentimento, una sorta di etologia che ti aspetti da cose animate. È una domanda estremamente fondante in questo momento della nostra storia in cui gli umani fanno sempre più affidamento sulle tecnologie (ad esempio, diamo loro nomi come Siri e Alexa, desideriamo i nostri iPhone come se fossero preziosi cimeli, affidiamo ai nostri dati, i nostri ricordi e le nostre finanze alle macchine).

Camille non decide mai con determinatezza quale sia il nostro sentimento al riguardo, in altre parole non è né pro-tecnologia né un luddista nei suoi confronti, poiché da un lato realizza degli elementi che sembrano delle macchine in sé, ma dall’altra sono oggetti realizzati a mano e sono pieni di amore, quindi creano una serie fondamentalmente ambiziosa di risposte al nostro presente, che provocano il pensiero e che ci spingono a mettere in discussione la nostra posizione sull’argomento.

In che modo gli spazi e l’architettura della Kunsthalle Basel hanno influenzato le tue opere? E come hai affrontato l’installazione e il posizionamento rispetto agli spazi?
Camille Blatrix: Ad essere sincero, all’inizio, cerco di non pensare troppo all’architettura, lo spazio è già così bello e le scale sono perfette. Penso davvero che provare a reagire a questa ‘galleria’ possa essere un errore: finirei per perdere e perdermi. Come la figura umana di fronte alla natura in un dipinto romantico: la natura sarà sempre più forte. Quindi, ho solo pensato a come mi fa ragionare questo spazio, quali sentimenti ho provato la prima volta che l’ho vissuto e poi le cose sono venute naturalmente.

Sono stato in grado di riportare questi sentimenti nel mio studio e ho iniziato a lavorare. Anche se il mio studio è molto più piccolo della Kunsthalle Basel, portare le emozioni con me a Parigi è stato il modo migliore per trasformarlo mentalmente nella dimensione degli spazi espositivi di Basilea.

Potresti descrivere la tua idea di origini e punto di partenza per la mostra?
CB: Tutto è iniziato quest’estate, quando stavo mettendo a letto mia figlia, durante un’ondata di caldo a Parigi. Le pareti della sua camera da letto sono viola e ci sono giocattoli che producono suoni e vento e hanno luci pulsanti, ovunque sul pavimento. Sembrava fuori dal mondo, fuori da un universo che stava crollando, ma sto cercando di essere ottimista per mia figlia. L’intero sentimento di questa mostra proviene da questo momento particolare.

Potresti per favore esprimere o formulare un pensiero di accompagnamento che vorresti dare al pubblico per la tua nuova mostra personale istituzionale?
CB: Vorrei che le persone si sentissero come in un caffè di Starbucks.

Di recente hai sviluppato nuovi lavori e cosa hai in mente per il futuro?
CB: Ho sviluppato solo nuovi lavori per Kunsthalle Basel, ed è stato un processo davvero emozionante e ora ho bisogno di una piccola pausa con mia moglie e mia figlia prima di tornare al lavoro. Presto aprirò una nuova personale da Andrew Kreps, la mia galleria a New York. E subito dopo, la mostra a Basilea avrà il suo secondo atto al Centre d’Art Contemporain – la sinagoga di Delme in Francia. Per il futuro, sogno di realizzare lavori che le persone possano effettivamente toccare, non necessariamente usando, ma toccando, per amplificare questa sorta di confusione tra oggetti e sensualità.