“Le cabine erano un’architettura perfetta, ma erano anche molto legate al presente, allineate lungo la sabbia e le strade bianche in mattinate senza tempo, immutabili. Ammetto che in questo senso rappresentano un aspetto particolare della forma e della felicità: la giovinezza. Tuttavia, questo aspetto non è essenziale, anche se è legato al mio amore per le estati trascorse al mare.” Così scrive Aldo Rossi in uno dei vari passaggi della sua "Autobiografia Scientifica" (1981) nei quali è menzionata la Cabina dell’Elba. Il celebre armadio è uno degli esempi più noti del dialogo costante tra architettura e design nella pratica dell’architetto milanese: partendo dalle cabine incontrate da bambino sulle spiagge dell’isola d’Elba, Rossi mantiene tutti i tratti evocativi originari – il timpano sul frontone, il decoro a strisce verticali, la forma di parallelepipedo – ma li trasforma in un mobile‑oggetto, un armadio‑cabina che conserva dentro di sé la memoria del mare. Il primo prototipo venne realizzato nel 1980 con Molteni & Co. in quattro esemplari e solo due anni dopo Cabina dell’Elba entrò a far parte delle produzioni dell’atelier di Cantù di Bruno Longoni.

La Bricola Veneziana, ideata da Federica Marangoni nel 1971 su commissione di Gio Ponti per l’Euro-Domus di Torino, è una lampada-scultura ispirata alle strutture nautiche composte da pali di legno che segnalano i canali lagunari veneziani. Nata come installazione luminosa su pavimento specchiante, la prima versione era stata realizzata in plexiglas spruzzato con poliestere bianco, e composta da un alto cilindro centrale con tre tubi fluorescenti, a cui si raccordavano cinque braccia coniche ovalizzate, il tutto fermato da un anello nero. Successivamente, per il Centro Domus di Milano, vennero realizzate cinquanta Bricole in vetro di Murano – come l’esemplare oggi nella collezione permanente del Museo del Design Italiano della Triennale di Milano – prodotte poi a partire dal 1980 dalla I3 di Salzano. La lampada, in vetro striato lattimo bianco, fu realizzata continuativamente per oltre vent’anni in versioni da tavolo, da terra e da parete, entrando di diritto nell’Olimpo delle icone del design italiano.

Nel 2025 compie settant’anni uno dei gelati nazional-popolari diventati simbolo dell’estate all’italiana, la Coppa del Nonno. Prodotto da Motta a partire dalla metà degli anni Cinquanta, nel 1973 Salvatore Gregorietti – maestro della grafica italiana e co-fondatore dello studio Unimark insieme a Massimo Vignelli, Bob Noorda, Franco Mirenzi, Mario Boeri – firma un nuovo packaging per questo gelato, contribuendo a ridefinirne in modo duraturo l’identità visiva. Il progetto nasce da una raffinata sintesi tra design industriale e comunicazione visuale: la coppetta marrone, dalla silhouette inconfondibile, richiama quella di una tazzina da espresso. Il piccolo manico sporgente ne evoca la ritualità quotidiana, trasformandola in un oggetto d’uso riconoscibile, familiare e carico di valore affettivo.

Forse non tutti sanno che i gonfiabili di cui pullulano le spiagge italiane, con buona pace dei più minimalisti, hanno un antenato illustre: la poltrona gonfiabile Blow. Ideata nel 1967 da Jonathan De Pas, Donato D’Urbino e Paolo Lomazzi, con Carla Scolari, e prodotta da Zanotta, questa seduta è il primo oggetto di design pneumatico in Italia. Leggera e portatile, realizzata in PVC trasparente saldato ad alta frequenza, si gonfia con una semplice pompa e scompare una volta sgonfiata, segnando un momento di rottura con la staticità e la pesantezza del mobile borghese tradizionale. Pensata per un pubblico giovane e moderno, fu presentata al Salone del Mobile del 1968 e divenne simbolo del design pop e radicale, espressione di una nuova cultura domestica libera e ironica. La sua essenzialità formale e il materiale plastico innovativo ne fecero un oggetto-manifesto, capace di sintetizzare lo spirito degli anni a cavallo tra due decenni.

Atelier LUMA, con il progetto Algae Platform avviato nel 2017, ha istituito un bio-laboratorio per studiare e valorizzare le alghe della Camargue, zona umida dove il fiume Rodano incontra il Mar Mediterraneo. L’obiettivo è rispondere alla domanda: come possono le alghe diventare strumenti di transizione per le bioregioni? In questo contesto, come parte del programma di ricerca transnazionale Algae Géographies (2018–2020), volto a trasformare risorse locali in biomateriali tramite tecniche come estrusione, stampa 3D, e produzione di carta d’alga, nasce la collezione di bicchieri e caraffe Algae Geographies (2019), realizzata da Eric Klarenbeek e Maartje Dros per Atelier LUMA. Gli oggetti, oggi parte della collezione del MoMA, sono stampati in 3D con un materiale interamente bio-based, ottenuto mescolando microalghe e biopolimeri di origine vegetale, in alternativa alle plastiche fossili.

“Superonda ha affermato la completa autonomia del prodotto d’arredo dall’architettura che lo conteneva e dalla tradizione formale del divano”, racconta Andrea Branzi, che insieme a Gilberto Corretti, Paolo Deganello e Massimo Morozzi fonda a Firenze il collettivo Archizoom Associati nel 1966. Superonda è il primo divano realizzato senza la tradizionale struttura portante, ed è anche uno dei progetti più noti del gruppo fiorentino, oltre che pietra miliare della storia del design italiano. Come deducibile dal nome, Superonda richiama il dinamismo di un’onda marina, con un sistema strutturale che consiste in due elementi ondulati ricavati da un blocco unico di poliuretano, separati da una curva a “S”: le due onde si incastrano e si sovrappongono, permettendo configurazioni diverse che trasformano il divano in chaise longue o letto. Prodotto da Poltronova, nel 1972 sbarca a New York in occasione della mostra del MoMA “Italy:The New Domestic Landscape”, e ancora oggi l’azienda fiorentina rende omaggio allo spirito originale del progetto con nuove versioni e pattern.

Tra il 1925 e il 1927 l’architetta e designer irlandese Eileen Gray progettò la Transat Chair – nota anche come “Transatlantic Chair” – per la terrazza della sua Villa E.1027 a Cap Martin, in Costa Azzurra, tra Montecarlo e Mentone. Il nome “Transat” richiama i transatlantici dell’epoca, l’intento era evocare l’esperienza dei viaggi via mare ispirandosi alle deck chairs delle navi. La struttura laterale è in legno, caratterizzata da geometrie rigorose, incastri a tenone e supporti cromati, elementi costruttivi che sottolineano la precisione artigianale del progetto, e un poggiatesta regolabile a pivot, per un comfort flessibile. La Transat Chair fu scelta anche da Eckart Muthesius per arredare il palazzo del Maharajah di Indore nel medesimo periodo, confermandone l’appeal internazionale.

Negli anni Ottanta Frank Gehry iniziò a esplorare il potenziale scultoreo della luce: le sue Fish Lamps nascono nel 1983 da una commissione della Formica Corporation per promuovere il laminato plastico ColorCore. Dopo averne rotto accidentalmente un campione, Gehry fu colpito dalla somiglianza dei frammenti di questo materiale con le squame di un pesce. Da qui, l’architetto canadese naturalizzato statunitense sviluppò una serie di lampade costruite su armature in fil di ferro a forma di pesce, rivestite con frammenti incollati a mano di ColorCore. Le prime furono esposte nel 1984 alla Gagosian Gallery di Los Angeles, seguite da mostre internazionali. Ogni lampada è un pezzo unico, a metà tra arte e design: forme curve e dinamiche, luce calda e texture organiche danno vita a una sinergia fra materiale, movimento e immaginario marino. Quella dei pesci, per Gehry, è una forma perfetta, organica, primitiva e libera dalla rigidità della geometria architettonica tradizionale. Ricorre come simbolo in molte sue opere, dalla scultura El Peix (1992) situata sul lungomare di Barcellona, fino alle superfici fluide e cangianti del Guggenheim di Bilbao, del Jay Pritzker Pavilion e dell’hotel Marqués de Riscal.

“Se lanci qualcosa in mare, il mare (dopo un periodo di tempo imprecisato e indeterminabile) te lo restituisce scolpito, rifinito, levigato, lucido o lucidato a seconda del materiale e anche bagnato, perché in questo modo i colori sono più brillanti.” Non un vero e proprio oggetto di design, ma un piccolo libro da collezione che racconta il mare come un paziente artigiano, “Il mare come artigiano” è una pubblicazione poetica e concettuale di Bruno Munari, parte della serie “Block Notes” creata dall’artista e designer milanese per Corraini. In poche frasi essenziali accompagnate da immagini leggere, Munari invita a guardare il mare non solo come ambiente naturale, ma come metafora di progettualità: lavora per sottrazione, leviga, semplifica, trasforma ogni oggetto in qualcosa di nuovo. Il libro racchiude l’essenza della poetica di Munari, dove arte, design e natura si incontrano in un’idea di fare umile, intelligente e paziente.

Il moscardino è un mollusco molto simile al polpo, che abita le coste mediterranee. I designer Giulio Iacchetti e Matteo Ragni hanno visto nei suoi tentacoli i rebbi di una forchetta, e nella sua testa il profilo tondeggiante di un cucchiaio: da qui nasce Moscardino, una posata multiuso che crea una relazione di perfetta reversibilità tra i due utensili, rispondendo ai mutamenti della convivialità contemporanea, al mangiare in piedi, velocemente o in modo informale. Realizzato inizialmente per Pandora Design in mater‑bi – una bioplastica biodegradabile ottenuta dall’amido di mais – Moscardino ha conquistato il premio Compasso d’Oro nel 2001. La sua fama è cresciuta ulteriormente grazie alla sua inclusione nella collezione permanente del MoMA di New York, e dal 2022 è stato rilanciato da Alessi con una riedizione in acciaio inox.