Apre al PAC il 29 marzo, ed è visibile fino al 12 giugno, la prima personale in Italia di una delle figure più radicali e importanti della scena artistica polacca: Artur Żmijewski, che ha esposto in istituzioni in tutto il mondo, tra cui documenta 12 e 14, la Biennale di Venezia e la Biennale d’Arte Contemporanea di Berlino, di cui è stato curatore nel 2012. Curata da Diego Sileo, la mostra si inserisce in una programmazione espositiva che ormai da tempo ha l’obiettivo di aprirsi al panorama internazionale, puntando i riflettori su grandi artisti che non hanno ancora avuto la dovuta attenzione in Italia e sull’idea di museo come polo di ricerca per tematiche di natura sociale, politica ed identitaria. La preoccupazione per problemi socio-politici della contemporaneità infatti è un caposaldo nella ricerca di Żmijewski. Attraverso le sue opere esamina le dinamiche di potere e oppressione nella collettività, così come le inclinazioni di paura e malvagità presenti nell’istinto umano. Il rapporto tra l’interiorizzazione delle emozioni estreme e le loro manifestazione attraverso le espressioni fisiche è il fil rouge tra le opere esposte, una selezione varia di lavori storici e recenti, di cui tre pensati ad hoc per il PAC. Żmijewski pone l’osservatore di fronte a un sistema di rappresentazione di diverse forme di paura: paura della solitudine, di essere dimenticati, di disturbi mentali e della disabilità, ma anche di un ambiente straniero e ostile, di un razzismo di Stato. Numerosi sono i riferimenti ai rifugiati al confine polacco-bielorusso durante l’estate-autunno del 2021. Non occorrono altre parole per comprendere l’urgenza di riflettere su questi temi. Oggi più di ieri.

Per scoprire cosa accade ai corpi umani con l’avvento del metaverso occorre, con ogni probabilità, ancora qualche tempo, eppure Elmgreen & Dragset sembrano voler accelerare la questione. Dal 31 marzo la sede in Largo Isarco di Fondazione Prada sarà messa a disposizione del duo scandinavo per un totale di 3.000 m2, compreso il cortile che ad oggi non aveva ancora ospitato grandi mostre. Il titolo del progetto“Useless Bodies?” è programmatico, una domanda perenne a cui la società contemporanea non trova risposta: la presenza fisica dell’essere umano è oggi strettamente necessaria? Quali saranno le conseguenze della corsa alla digitalizzazione e all’automazione dell’epoca post-industriale? Questioni complesse cui rispondere oggi, che portano gli artisti a riflettere sull’idea di “corpo ideale” nel tempo.

La mostra si apre infatti citando “Serial Classic”, la prima esposizione in Fondazione, dedicata al rapporto ambivalente nella scultura classica tra originalità e imitazione (un tema peraltro affrontato, seppur per altri versanti, anche nella mostra “Role Play”, visibile fino al 27 giugno a Osservatorio Prada). Corpi classici e neoclassici vengono associati a rappresentazioni iperrealiste firmate dai protagonisti della personale. Proseguendo oltre il Podium i toni si fanno più tetri. In un gioco intriso di dark humor, il duo gioca sui sensi e contro-sensi degli stili di vita occidentali: file di postazioni lavorative e spa abbandonate, dimore simili a bunker futuristici, oggetti ordinari alienati e dog robot. Immagini spiazzanti che inscenano un collasso di sistema e mettono in discussione i meccanismi di sorveglianza quotidiani. Dopo l’installazione Short Cut in Galleria Vittorio Emanuele, nel 2003, Elmgreen & Dragset tornano a colpire nel segno.

Per la fama che accompagna Steve McQueen, vincitore di un Turner Prize e di un Premio Oscar, è d’obbligo citare l’apertura della sua personale in HangarBicocca, visibile al pubblico dal 31 marzo al 31 luglio 2022. La mostra, curata dal direttore artistico Vicente Todolí, è realizzata in collaborazione con la Tate Modern di Londra dove nel 2020, in piena pandemia, è stata presentata una prima versione di questo progetto nell’esposizione Steve McQueen. A Milano, l’artista visivo, regista e produttore ha concepito un apposito progetto espositivo intitolato “Sunshine State”, arricchito da una nuova selezione di opere. Attraverso gli spazi delle Navate e del Cubo, e sull’esterno dell’edificio, sarà possibile cogliere l’evoluzione dei suoi venti anni di carriera nelle arti visive in un percorso non cronologico, nel quale saranno presentate sei installazioni e una scultura.

La costruzione dell’identità e il senso d’appartenenza, così come il diritto alla libertà e il post colonialismo, sono temi fondativi nella sua ricerca, basata sul medium filmico, linguaggio che assume nei suoi lavori una corposità scultorea in termini spaziali e temporali, un aspetto che assume uno spessore particolare quando ad essere filmato è il corpo umano, in un agency costante per lo spettatore. In mostra sarà presente anche un video inedito che dà il nome all’intera mostra, opera commissionata dall’International Film Festival Rotterdam (IFFR) 2022 che l’artista ha elaborato per più di vent’anni; come spiegano i curatori, “Sunshine State” propone una riflessione sugli esordi del cinema hollywoodiano e su come il grande schermo abbia influenzato profondamente la percezione e la costruzione dell’identità.

Se la tendenza della Biennale d’Arte di Venezia in arrivo è quella di presentare mondi surreali e onirici, si può affermare che la poetica di Yuli Yamagata si muove nella stessa direzione. L’artista brasiliana, classe 1989, presenterà alcuni nuovi lavori per la prima volta in Italia da Ordet, lo spazio diretto da Edoardo Bonaspetti e Emanuele Cernuschi in zona Porta Romana che si distingue sin dall’anno della sua apertura, il 2019, per la presentazione di ricerche internazionali sperimentali e d’avanguardia (ricordo anche l’ultima bellissima mostra di Jon Rafman). Nel trarre ispirazione dalla cultura di massa, le opere di Yamagata mettono in scena mutazioni umane, in bilico tra la realtà così come viene intesa oggi e il mondo animale.

Dal 2 aprile al 28 maggio un polpo, una lumaca, un paguro e un serpente popoleranno Ordet, in un allestimento interpretato come uno scheletro contorto, alterato e tentacolare. Nelle opere di Yamagata, imbottite e rivestite di tessuti, un po’ grottesche e un po’ cartoon, ciò che è conosciuto diventa perturbante; a un primo sguardo i soggetti sono identificabili, e subito dopo stranianti. Come il gusto estetico s’adatta malleabile, spaziando tra gusto dell’horror, consumismo da centro commerciale e fumetti di fantascienza, così fa l’intelligenza umana?

MASSIMO è un luogo intimo, quasi da sembrare una persona. Con sede in Porta Venezia, in via degli Scipioni, questo spazio no profit per l’arte contemporaneo è stato fondato a dicembre 2019 da Stefano Galeotti, Giulia Parolin, Martina Rota con l’obiettivo di cogliere le sperimentazioni artistiche più recenti, puntando sui rapporti umani costruiti nel tempo con gli artisti per poter cogliere, in modo sincero, tutti gli aspetti che fanno da contorno alla ricerca poetica di un individuo. Durante miart inaugureranno la mostra “+39 334 2928559” di Dafne, un gruppo formato da diverse identità un po’ umano e un po’ metaforico, fondato nel 2019 da Filippo De Marchi, William Merante e Giovanni Riggio, che si dedica alla ricerca artistica spaziando dalla musica e dal suono alle performance e alle arti visive, nel costante tentativo di ridefinire ed espandere i confini di tali categorie.

Con l’intervento di Dafne, fino al 19 aprile lo spazio di MASSIMO cambierà aspetto: le linee rette che delimitano soffitto e pavimento si perderanno in volumi ridotti al minimo, percepiti dal visitatore in maniera quasi bidimensionale. Il white cube si trasformerà in un multiverso acromaico, un green screen convulso e curvo che ospiterà quattro sculture e un dipinto. Sono opere realizzate in contemporanea a sei mani dai tre fondatori, in una comunione effettiva del processo creativo. Tavoli dalla forza centripeta, pennellate di rimando futurista, palle da bowling su bilance e numeri astratti si incontrano in un ambiente vorticoso capace di tradurre il caos in armonia. Per i lettori meno suggestionati si rimanda al titolo alla mostra, che è anche un numero di cellulare.