Elsa Schiaparelli, figura centrale della couture del Novecento, rivoluzionò la moda attraverso un approccio libero e aperto alla sperimentazione, che coniugava intuizioni visive provenienti soprattutto dalla sua vicinanza ai Surrealisti, e innovazioni tecniche. Al suo estro creativo il V&A di Londra dedica, dal 28 marzo 2026, la prima grande retrospettiva in Inghilterra: un percorso dagli anni Venti a oggi, fino alle creazioni più contemporanee frutto della direzione artistica di Daniel Roseberry. Oltre duecento pezzi in mostra, tra abiti, accessori, gioielli, opere d’arte e materiali d’archivio, per raccontare il genio di Schiaparelli, la rete di collaborazioni e il ruolo imprenditoriale che ha definito la Maison, presentando anche capi iconici comeSkeleton e Tears, realizzati insieme a Salvador Dalí.

Per celebrare il suo quinto anniversario, M+ accoglie una generosa donazione di Herzog & de Meuron, autori del progetto del museo di Hong Kong. La mostra, che prende il via il 12 settembre 2026, riunisce modelli, disegni e campioni di materiali che documentano la loro pratica progettuale innovativa, con un focus sui progetti sviluppati in Cina, costruiti o incompiuti: dal museo M+ terminato nel 2020, al Tai Kwun sempre a Hong Kong, fino allo Stadio Nazionale di Pechino, oltre a interventi urbanistici che evidenziano come territorio e paesaggio siano determinanti nella definizione della conformazione urbana. Le opere esposte riflettono il profondo dialogo che lo studio intrattiene con la Cina fin dagli anni 2000, in un contesto di incredibile crescita economica e di grandi trasformazioni infrastrutturali.

“Se non lo trovi, disegnalo tu”: questo il motto che ha delineato la lunga e celebre carriera di Lella e Massimo Vignelli, una delle coppie più geniali del design italiano. La Triennale dedica loro un’ampia retrospettiva, per ripercorre il ruolo fondamentale del duo nello sviluppo del design e della grafica internazionale. Attraverso una ricca selezione di oggetti, arredi, bozzetti, fotografie, manuali, marchi e pubblicazioni, l’esposizione ricostruisce il loro percorso umano e professionale, tra l’Italia del dopoguerra e la New York degli anni Sessanta. Il progetto espositivo, realizzato in collaborazione con i figli Valentina e Luca e con il Vignelli Center for Design Studies del Rochester Institute of Technology, attinge a un archivio di oltre settecentomila documenti che testimoniano l’ampiezza e la coerenza del loro approccio progettuale lungo più di cinquant’anni.

La retrospettiva Hella Jongerius: Whispering Things ripercorre oltre trent’anni di ricerca di una delle figure chiave del design contemporaneo. Ospitata dal Vitra Design Museum, si tratta della prima mostra che racconta l’intera ampiezza del lavoro di Jongerius, tra tessili, ceramiche, e arredi, insieme alle celebri collaborazioni con Maharam, KLM, Camper e Vitra. Il ricco archivio di Jongerius, acquisito nel 2024 proprio nel museo di Weil am Rein, rivela la varietà dei processi di sperimentazione della designer, e la riflessione critica sul ruolo del design nella società che l’ha guidata nel corso dei decenni.

Che cosa significa oggi parlare di “Black Aesthetic” e chi ne orienta davvero l’evoluzione nella cultura visiva contemporanea? La mostra dell’autunno 2026 al Design Museum di Londra affronta questa domanda mettendo al centro i progettisti che stanno contribuendo a trasformare il panorama del design britannico, come Mac Collins, Samuel Ross, Bianca Saunders e Giles Tettey Nartey. Dal design, alla progettazione architettonica, alla moda, l’esposizione esplora come identità, cultura ed esperienza personale influenzino i processi creativi. Il titolo della mostra, curata da Charlene Prempeh con il Design Museum, richiama la Black Aesthetic degli anni Sessanta e la New Black Aesthetic degli Ottanta, reinterpretandole in chiave contemporanea: Nue, da nuer (“sfumare”), allude infatti alla complessità e alle molteplici sfumature dell’attualità.

Nel cuore del Settecento parigino, l’hôtel particulier – tipologia di residenza aristocratica particolarmente diffusa nel XVIII secolo – era il palcoscenico di un nuovo modo di vivere, fondato su eleganza, funzionalità e codici sociali raffinati. L’esposizione del Musée des Arts Decoratifs di Parigi ricostruisce questo universo esplorando l’art de vivre francese attraverso la vita quotidiana in una dimora privata, emblema del lusso urbano. Il percorso accompagna il visitatore dalla strada alla corte e al giardino, poi negli interni dove, dal mattino alla notte, prendono forma rituali, nuovi comfort e rigide regole sociali: la toilette, la gestione della casa, l’educazione dei figli, i ruoli nella vita domestica, in cui ogni ambiente rivela innovazioni, dall’illuminazione, al riscaldamento, all’igiene.

La mostra Helmut Lang. Séance de Travail 1986–2005 al MAK di Vienna è la prima grande retrospettiva dedicata all’opera del designer austriaco. Con installazioni site-specific e un’ampia selezione di materiali provenienti dall’Helmut Lang Archive, donato al MAK nel 2011, la mostra mette in luce il suo processo creativo e la visione radicale con cui Lang, muovendosi continuamente tra Vienna, Parigi e New York, ha ridefinito i codici della moda e dell’identità. Con le sue “Séances de Travail” (sessioni di lavoro) ha dato nuova forma alla sfilata tradizionale, privilegiando l’intersezione tra moda, architettura, suono e pubblico. Ma Lang è stato un pioniere della sperimentazione anche nella comunicazione – dal primo show online nel 1998, alle pubblicità sui yellow cab newyorkesi – anticipando di oltre vent’anni l’estetica digitale contemporanea.

Cosa accadrebbe se il design smettesse di pensare solo agli esseri umani e iniziasse a includere tutte le forme di vita? More than Human – Design meets Nature, al Museum für Gestaltung di Zurigo, esplora questa prospettiva con oltre centoquaranta opere di artisti, designer e architetti internazionali come Formafantasma, Alexandra Daisy Ginsberg, Julia Lohmann, Feifei Zhou, Paulo Tavares e il collettivo MOTH (More Than Human Life Project). I loro progetti, dagli habitat per invertebrati e impollinatori, alle installazioni in alghe, alle mappe multispecie, nascono dalla sinergia tra ricerca scientifica, nuove tecnologie e saperi tradizionali.

La prima grande retrospettiva museale dedicata a Kho Liang Ie (1927–1975) allo Stedelijk Museum di Amsterdam restituisce il peso che il designer ebbe nel panorama del design olandese ed europeo tra la fine degli anni Cinquanta e la metà dei Settanta. Nato in una famiglia cinese radicata da generazioni in Indonesia, portò nel design una visione aperta a stimoli provenienti da Stati Uniti, Giappone, Olanda e Italia, unendo funzionalità e sensibilità materica. Tra i protagonisti del modernismo di metà secolo, collaborò con Rietveld, Crouwel e Hicks e, al momento della sua scomparsa nel 1975, era in procinto di avviare un progetto con Norman Foster. Molte sue creazioni restano tuttora in produzione: dai mobili per Artifort alle piastrelle Mosa, fino al celebre soffitto a doghe dell’aeroporto di Schiphol, installato nel 1967.

La mostra Japan Modern Poster ripercorre l’evoluzione della grafica giapponese dal dopoguerra a oggi, attraverso una selezione di poster iconici. Dalla generazione pioniera che, dopo la Seconda guerra mondiale, assimilò modelli occidentali per sviluppare un linguaggio autonomo, l’esposizione segue i designer cresciuti durante il boom economico, protagonisti di una stagione di forte innovazione e riconoscimento internazionale. Accanto a opere legate alla prosperità del periodo emergono anche immagini che affrontano temi sociali e invocano la pace, rivelando il lato nascosto di quella modernizzazione. La mostra include anche gli art director dell’era digitale, autori di nuove sperimentazioni e visioni, mettendo in luce la vitalità e l’universalità della cultura del poster giapponese.

Le ambasciate che Marcel Breuer e John Johansen progettarono per gli Stati Uniti segnano il momento in cui il modernismo incontra la politica internazionale. La mostra alla Onera Foundation fino al 26 marzo 2026 analizza le sedi diplomatiche mid-century dell’Aia e di Dublino firmate dai due architetti, membri degli Harvard Five, il celebre gruppo formato ad Harvard e attivo a New Canaan dagli anni Quaranta. Dopo aver realizzato in quella comunità alcune delle loro opere residenziali più innovative, Breuer e Johansen portarono nella diplomazia il linguaggio moderno sviluppato attraverso la sperimentazione in ambito domestico, ma anche un nuovo modo di vedere il rapporto tra architettura e ambiente.

Art of Noise, al Cooper Hewitt di New York dal 13 febbraio al 19 luglio 2026, esplora come il design abbia contribuito a modificare l’esperienza dell’ascolto negli ultimi cento anni. Con oltre trecento oggetti e opere dalle collezioni di Cooper Hewitt e SFMOMA, la mostra grazie a poster, copertine, radio, sistemi hi-fi e dispositivi portatili – dai lettori CD ai walkman fino all’iPod – traccia l’evoluzione del rapporto tra suono, oggetti e tecnologia quotidiana. Due installazioni immersive ampliano l’esperienza: l’azienda svedese teenage engineering presenta un coro di sculture sonore, mentre l’artista Devon Turnbull (OJAS) ha realizzato la HiFi Pursuit Listening Room Dream No. 3.