Prima che tutto diventasse “iconico”, c’era un certo timore nell’investire gli oggetti di design di questo titolo. Su quali fossero le caratteristiche capaci di trasformare un prodotto in un’icona, il dibattito era animatissimo e sempre aperto. Eppure, mentre critici e storici continuavano a interrogarsi, il sodalizio tra i designer britannici Edward Barber e Jay Osgerby sembrava aver trovato la risposta senza nemmeno cercarla: sfornava, una dopo l’altra, proprio delle icone, marchiate sul fondo con i loghi di Vitra, Flos, Magis, Cappellini e di molti altri tra i brand più importanti del design contemporaneo.

Pochi giorni fa, i due designer hanno annunciato la chiusura dello studio che dal 1996 guidavano insieme, per proseguire l’attività professionale su strade separate. Nati entrambi nel 1969, si erano conosciuti al Royal College of Art e da compagni di studi sono diventati, per trent’anni, colleghi di lavoro. La loro prolifica collaborazione ha definito un modo di fare design radicato in una filosofia precisa, che cerca nello standard una risposta sensibile alle necessità umane, traducendola in oggetti contemporanei dalle forme leggibili e immediate. Una poetica che ricorda quella di Jasper Morrison e che è sempre attraversata da una certa gentilezza: nel calore dei materiali, nella morbidezza delle curve, nell’innesto accogliente delle componenti.

È proprio in queste curve che si riconosce la firma di Barber & Osgerby, insieme agli oggetti monomaterici e monocromatici e a quel caratteristico elemento orizzontale che raccorda molte delle loro sedute: dalla Tip Ton di Vitra alla panca per la Portsmouth Cathedral, fino alla sedia progettata per la riapertura del De La Warr Pavilion, l’edificio modernista costruito nel 1935 da Erich Mendelsohn e Serge Chermayeff.

La loro produzione ha attraversato qualsiasi scala e categoria del prodotto industriale: mobili e lampade, packaging, rivestimenti come le collezioni per Mutina, vasi, un prototipo di telefono cellulare per Panasonic, fino alla moneta da due sterline per il 150esimo anniversario della London Underground e alla torcia per i 2012 Summer Olympics.

Attraverso migliaia di sketch e modellini, la pratica progettuale di Barber & Osgerby ha sempre tenuto insieme innovazione tecnologica e studio attento dei processi industriali, senza sottrarsi alla scala artistica e installativa. Lo dimostrano progetti come Double Space al Victoria and Albert Museum nel 2014 e Forecast, con cui nel 2016 hanno rappresentato il Regno Unito alla London Design Biennale.

La loro ricerca sul design “per tutti” è valsa il Jerwood Prize nel 2004, il titolo di Royal Designer for Industry nel 2007 e la London Design Medal nel 2015, oltre a un posto nelle collezioni permanenti del Vitra Design Museum, del Victoria and Albert Museum e del The Metropolitan Museum of Art.

Oggi, mentre la Triennale Milano celebra il loro lavoro con una mostra gratuita aperta fino a settembre, la notizia della separazione offre anche l’occasione per guardare con distanza alla parabola di un duo che può chiamare “icone” molti dei prodotti che ha progettato. La notizia fa eco a un’altra separazione rumorosa, quella tra Ronan Bouroullec ed Erwan Bouroullec, ancora attivi ma ormai ciascuno per conto proprio, e ricorda una formula che nel design ha funzionato molte volte: quella per cui uno più uno può produrre infinite possibilità, come dimostrano le collaborazioni di Charles and Ray Eames, di Alvar Aalto e Aino Aalto, di Fernando e Humberto Campana o dei Formafantasma.

Nell’attesa di scoprire cosa faranno Edward Barber e Jay Osgerby ciascuno per conto proprio, abbiamo selezionato cinque oggetti progettati insieme: una piccola mappa della loro poetica comune, e forse il modo migliore per capire cosa significhi, nel design, lavorare in due.