Diseño Pop Art

El Vitra Design Museum, en un proyecto ambicioso tanto desde una perspectiva histórica como crítica, colocó obras de los exponentes más destacados del Pop Art —como Andy Warhol, Claes Oldenburg y Roy Lichtenstein— junto a diseños de Charles Eames, George Nelson, Achille Castiglioni, Ettore Sotta y muchos otros diseñadores prominentes de las décadas de 1960 y 1970 con el propósito de generar una nueva perspectiva sobre el Pop Art, en la cual el diseño juega un papel clave. Pop Art Design es un exposición itinerante que se puso en marcha en las oficinas centrales del Vitra Design Museum en Weil am Rhein y que después viajará al Museo de Arte Moderno de Louisiana en Humlebæk, Dinamarca y al Moderna Musset en Estocolmo, Suecia: dos instituciones que también colaboraron con la exposición a través del préstamo de algunas obras de importancia.

La conceptualización de la exposición fue desarrollada por el curador Mathias Schwartz-Clauss, quien escogió una serie de piezas de la colección del Vitra Design Museum, a partir de cual se generaron alrededor de 140 objetos expositivos. La mitad de ellos son obras y la otra mitad productos de diseño, junto a fotografías, documentos, textos y películas. En la exhibición se muestran obras como uno de los primeros screens de Warhol (1958, una de sus primeras obras), una de las target paintings de Jasper Johns (1957), el sofá Leonardo de Roy Lichtenstein (1965), I Love You with My Ford, de James Ronsenquist (1961), la monumental lámpara Moloch de Gaetano Pesce (1970-71) y Chair de Allen Jones (1969).

El plano de la exposición se inspiró en el collage de 1965 de Richard Hamilton Just What is It Makes Today's Homes So Different, So Appealing?, considerado actualmente un símbolo del Pop Art. El collage es la representación de un espacio virtual que reúne todos los elementos esenciales de la poética de la época: el uso de palabras, símbolos de la sociedad contemporánea, imágenes clásicas empleadas como íconos, el empuje de la tecnología y culturas populares como deportes y el cine.

Dentro del museo, en los espacios construidos por Frank O. Gehry, se desarrolla un diálogo entre el arte y diseño de la época, demostrando cómo los dos mundos no sólo estaban íntimamente conectados, sino que se proveían mutuamente de inspiración. Durante esos años, los diseñadores trabajaban con herramientas que se usaban típicamente en el arte, como citas, collage e ironía, mientras que los artistas empleaban procesos de producción industrializados y completamente anónimos. Más aún, los objetos cotidianos se convirtieron en motifs artísticos, y los nuevos materiales plásticos se convirtieron en íconos habituales de la cultura popular.

Pop Art Design demuestra que el lenguaje del pop art era un elemento de desarticulación que permitió el desarrollo de gran parte del diseño radical de la década de 1970, bien representado en la exhibición por las piezas de Superstudio y Studio DA (Cesare Maria Casati y Emanuele Ponzio), con su renombrada serie de lámparas de colores.

Un catálogo completo publicado por el Vitra Design Museum acompaña a la exposición. La publicación contiene más de 325 imágenes y textos de autores como Thomas Kellein, Marco Livingstone, Steven Heller, Diedrich Diederichsen, Brigitte Felderer y Mathias Schwartz-Clauss.

Pop Art Design es una exposición que amerita su visita, revelando una historia que nunca ha sido contada en detalle. Presenta revelación crítica poco explorada por una de las instituciones museísticas más importantes del diseño contemporáneo, sobre una de las corrientes artísticas que más ha influido en el público en general: el Pop Art; una visualización democrática, impetuosa, colorida y que puede considerarse como uno de los precursores del constante bombardeo de imágenes que presenciamos hoy. Maria Cristina Didero

A través de 03 de febrero 2013
Pop Art Design
Vitra Design Museum
Charles-Eames-Straße 2, Weil am Rhein, Alemania